박대조 (Park dae cho)

The Blamelessness of Children 죄없는 아이들
글 _ 조나단 굿맨

박대조는 표현수단의 융합, 더 심각해진 상황들과 동시대 기억의 슬픔에 대한 충격적인 작품들을 선보이는 작가다. 그는 아이들의 사진위에 채색하는 작업을 한다. 지옥과도 같은 곳에서 대상들을 표현하기 위해 두 가지 표현수단을 결합한다. 미학적 의미에 대한 그의 진지한 문제인식은 그가 삶의 폭넓고 철학적인 비전을 제시하고 있음을 암시한다. 그의 세대에서 중견작가로서 한국사회뿐만 아니라 전 세계의 상황의 어려움들까지 아우르고 있다. 그의 작품은 모더니즘과 포스트모더니즘 발전에 대한 관심을 예견한다. 또한 그의 작품들의 우아함은 그가 빛나는 이미지들의 매력과 짧지만 시간을 멈출 수 있는 사진의 위력에 대해 그 누구보다 능통하다는 사실을 보여준다. 그의 작품들은 순간적으로 우리의 시선을 사로잡으면서도 그에 내재되어있는 진지한 의미에 대해 계속 고민하게 만든다. 이것은 시간을 소요하는 작업이면서, 세계적인 한국 작품으로서 도전적인 미래를 제시한다.

역사적인 사건들의 윤리적 기준 중 하나는 원자폭탄에 연관된 우리의 감정과 관련이 있다. 원자폭탄 사건 전후로 우리가 생각해온 도덕적인 논리는 극명히 나뉘었다. 그의 Boom Boom 시리즈에서는 동양아이들이 검은 스카프로 얼굴을 반쯤 가리고 있다. 그들의 동공 한가운데에 핵폭탄의 버섯구름이 그려져 있지만, 순수성의 강렬한 이미지로 각인된다. 시선에 죽음을 머금은 어린아이의 이미지가 발산하고 있는 이 엄청난 무게를 어떻게 받아들여야할까? 우리는 미(美)와 죽음사이의 연관성이 있는 문학의 역사를 통해 이것이 흔한 어린아이의 이미지가 아니라, 도발을 암시한다는 것을 알고 있다. 하지만 여기 이 자리 존재하는 두 개념에 대해서 정확히 파악하기는 힘들다. 우리는 여전히 인류를 위협하고 있는 핵폭탄에 대해 언제까지나 에둘러 언급할 수만은 없다. 이 아름다운 소녀의 눈은 고통으로 가득 찬 리얼리티의 또 다른 면을 보여준다. 그는 얼굴에서 빛나는 아름다움을 전복시키는 엄숙함이 살아 숨 쉬는 작품을 완성시킨다. 파괴의 잔인한 암시에 대한 치열한 고뇌를 통해 하나의 예술작품이 탄생한 것이다.

혼합매체, 투명한 이미지, 소녀의 눈과 머리카락으로 이루어진 작품 City-Bred Child는 여러 면에서 Boom Boom 시리즈와 유사하다. 소녀는 얼굴 아래쪽을 천으로 가리고 있지만 이번에는 밝은 초록색의 사각형이 얼굴 위쪽에 자리하고 있다. 이 작품역시 Boom Boom 시리즈를 마주했을 때 우리가 느끼는 강렬함을 가지고 있다. 이 시리즈는 위험을 포함하는 내용임에도 불구하고 직설적인 시각적 표현을 보여주지는 않는다. 또 다른 작품인 Broken Heart는 어린 소녀의 이미지를 아크릴 채색 후 음각한 작품이다. 거의 검은색으로 보이는 어두운 초록색으로 완성된 이 작품은 직사각형과 정사각형으로 표현된 일련의 시리즈들이다. 그의 유려한 테크닉과 감정적으로 강렬한 인상을 준다는 점에서 역작으로 손꼽힐만하다. Broken Heart는 아이들의 존엄성과 정신적인 가치가 그에게 가장 중요한 예술적 관심사라는 사실을 보여준다. 우리가 처음 작품을 마주했을 때보다 훨씬 더 진지하고 심각한 의도가 작품의 따뜻한 이미지 뒤에 숨겨져 있음을 알 수 있다. 그의 가진 목적의식의 진지한 태도는 모든 방식의 삶을 존중하는 불교와 연관되어 있다.

그가 지적한 것처럼 그의 작품들은 세계 도처에서 일어나고 있는 고통들과 깊은 연관이 있다. 공공의 재앙들에 대한 우리들의 기억은 여전히 남아있다. 어느 한국 소녀의 잊혀지지 않는 시선은 경험의 기억으로 인해 충격 받은 것처럼 보인다. 목격자의 시선으로 홀로코스트에 대해 이야기하고 있는 소녀의 눈을 바라보는 것은 너무나 고통스럽다. 하지만 우리는 역사적인 기억들과 마주해야만 한다. 아이의 눈 속에 비친 버섯구름에서 부조리를 깨닫지만, 결국 이들의 얼굴은 우리자신의 반영인 것이다. 박대조의 예술세계에서 표현된 사실주의는 아이들의 순수성뿐만 아니라 원자폭탄의 끝없는 야만적인 폭력과 관련된 실재하는 존재를 채우고 있다. 결국 그는 자신의 상상력을 통해 우리가 직면하고 싶지 않은 사실들을 보여 주기 위해 기억의 저편으로까지 내려간 것이다.

이러한 잔인함에 가까운 사실주의에 대한 관심은 지구상에 존재하는 파괴적인 충동을 보여주기 위해 모든 것을 던질 준비가 되어있는 아티스트들이 건재하고 있음을 암시한다. 이들은 아이들의 무고함과 잔인한 사건들을 대조시켜 바라보게 한다. 우리에게 주어진 선택은 분명하다. 우리는 아이들 그자체로 순수한 사람으로 길러 내거나, 죽음과 파괴를 맛보게 할 수도 있다. 예술은 우리에게 무한한 변화의 거울을 제공하기 때문에 예술은 인간이 처한 상황을 객관적으로 그려내야 한다. 그러므로 우리가 다루는 주제의 범위는 순수성에만 국한되어서는 안 된다. 삶의 한 부분으로서의 폭력성 또한 포함하고 있어야 한다. 윤리적인 책임에 대한 그의 인식은 우리를 괴롭히고 있는 문제들에 대한 실마리를 던지는 서술적 장면을 보여준다. 폭탄과 미(美)의 융합은 도덕적인 파괴로 볼 수 있지만 이것은 우리 각자가 안고 있는 세계적인 책임의식을 반영한다. 우리가 자신에게 얼마나 솔직하던지 혹은 아름다움에 감동받던지 간에 도처에서 폭력을 행사하고 있는 우리의 현실을 깨달아야한다. 박대조는 미(美)를 받아들임으로서, 인류가 복용해야할 쓰디쓴 치료약에 달콤함을 더했다. 아직 우리가 치료되지 않은 것은 그의 잘못이 아니다.

박대조 (Park dae cho)

상명대학교 일반대학원 한국화 전공 석사 졸업
상명대학교 조형예술 디자인학과 박사 졸업

주소 : 경기도 용인시 기흥구 보정동 1169번지 솔뫼마을 현대홈타운 105동 203호
작품소장처 주소 : 경기도 수원시 영통구 영통동 996-3번지 대우월드마크 102동 307호

개인전(23회)
2012년 08월 30일 - 09월 20일 “디지아날로그전”(박영덕화랑)
2011년 05월 12일 - 06월 09일 “염원”(스탄자 갤러리)
2011년 05월 17일 - 06월 21일 “The heart of child"(Able fine art NY)

수상
대한민국 미술대전 입선 (국립현대미술관)
2009 부산국제 멀아트쇼 KASCO상 수상

작품소장 :
싱가폴 국립미술관 / 호서대학교 / 국립현대 미술관 / 서울 시립미술관 / 경기도 미술관 / 경남 도립미술관 / 한원미술관 / 보성 녹차 박물관 / 상명대 박물관 / 원주 시청 / 갤러리 원 / 경향 갤러리 / 갤러리 정/ 갤러리 도스 / 뷰콜외 다수

 

박대조,Park dae cho

Park Dae Cho: The Blamelessness of Children

Park Dae Cho makes affecting works that reference the cool world of media and the greater circumstances, not without grief, of contemporary experience. He works by painting over photographs of children, joining two mediums to portray his subjects in a kind of purgatory. Park’s treatment of serious questions of esthetic import suggests that he is committed to a wide-ranging, philosophical  vision of real life. In many ways, like the midcareer artists of his generation, he straddles the difficulties facing not only Korean society but the global situation at large. His work presupposes an awareness of modernism and its postmodern developments, and the elegance of his surfaces make it clear that he is very aware of the lure of the gilded image, the photograph’s ability to stop time?even if only for a moment. The resulting images captivate in the instant they are viewed, but they also deserve greater meditation, in keeping with the serious implications of their content. This is work of its time, but there is also the suggestion that there is a future for them as documents of a challenged and challenging international Korea.

One of the ethical touchstones of our historical memory regards our feelings about the atomic bomb, which created a great divide in our moral reasoning before and after the event. Boom Boom, a photograph of an Asian child’s eyes?the lower half of her face is covered by a black scarf?would be a compelling image of innocence if not for the atomic mushroom clouds found dead center in each of her pupils. How do we understand the extraordinary weight of an image of a young child who carries death in her gaze? This is not a jaded image, but it does suggest a provocation: we know that through the history of literature, there is often a connection between beauty and death, but it is rare to find so obvious an identification between the two, as happens here. Perhaps the truth is that we can no longer afford to be roundabout in our presentation of atomic destruction, which threatens us still. The eyes of the young girl, as beautiful as she may be, show us a different version of reality, filled with the implications of suffering. As a result, there is a gravitas that subverts the gleaming attractiveness of the face, making the artwork a study in the brutal implications of whole-scale destruction.

A City-Bred Child, in many ways similar to Boom Boom, consists of a mixed-media, transparency image, again of a girl’s eyes and hair; she too has her lower face covered by an article of clothing. But the upper face this time is composed of bright-green squares?a reenvisioning of the simpler, but just as effective, image we face in Boom Boom.  This small series is not without its visual expressiveness, although it is clear that its content possesses danger. Another piece, Broken Heart, shows an image of a little girl in an acrylic painting that follows an engraving. Done in deepening greens that darken almost to black, Broken Heart is an affecting work of art, whose formal arrangement is organized by a series of lines describing rectangles and squares over the surface of the image. At once a tour de force as a technical exercise and an emotionally compelling image, Broken Heart shows us that the dignity?the spiritual worth?of children remains a strong interest of the artist, taking first place in his artistic focus. As a group the images show us that behind the surface suavity of the pictures there lies a deeper purpose and more serious intention than viewers might initially pick up. This gravity of purpose links Park to Buddhism, its high regard for all forms of life.

As Park points out, his images concern the suffering that occurs in the world. The artist who made the paintings I describe contains them within the confines of his working imagination. Yet the reminder of public disaster remains. The haunting gaze of the young Korean girl acts as a striking reminder of experience, mostly in the moral sense. While it is painful to see a girl’s eyes communicate a holocaust as part of their claim on the viewer, it is nonetheless a demand that we face the actuality of historical experience. No matter the absurdity of finding the mushroom clouds in the eyes of a child, whose countenance after all is a reflection of our own; what matters is that the image is not processed superficially, but rather as a notion of what we are capable of doing, as horrible as it may be.  The realism we come across in Park’s art fills it with a tangible presence, which intimates not only the innocence of children but also the infinitely barbaric violence of the atomic bomb. As a result, Park comes down pretty much on the side of experience, using his imagination to draw attention to facts we would rather not face.

This preference for a close-to-brutal realism shows us that there are still artists who are willing to commit themselves to describing destructive impulses, even as they contrast malevolent events with the haunting blamelessness of youth.  The choice is clear: either we can try to raise our children as the innocents they are, or we can subject them to death and destruction. Art should report on the human condition as objectively as it can?not because it is bound to do so but because it offers us a mirror of infinite variation. Thus, the great range of subjects we treat in art cannot only concern innocence; it must address the violence that is part of life. Aware of ethical culpability, Park presents to us small spectacles of narration that throw light on problems we are all beset with. The conflation of beauty with the bomb is a moral subversion, but one that reflects our own culpability internationally. However honest we may be with ourselves, however moved we may be by what is beautiful, we have to come to grips with our capacity for creating violence. By claiming beauty as an ally, Park sweetens the pill that we all must take. It is not his fault that we remain what we are.

Jonathan Goodman

Jonathan Goodman is a poet and writer based in New York City. His specialty is in writing about contemporary Asian art, for such publications as Sculpture, artcritical.com, and Yishu, a Vancouver-based journal on contemporary Chinese art. He currently teaches contemporary art criticism at Pratt Institute, an art school located in Brooklyn.

Jonathan Goodman

Park, dae cho

M.F.A in Korean Painting major, Graduate school of Art & design Sang-myung University Citation
Present Ph.D. Art & Design Department, Sang-myung University

Selected One Person Exhibitions
2011, Mar An exhibition for Ph.D. of fine art thesis at Gallery Jung
2010, Nov "Purity"( Gallery M)
Oct " Desire" (Gallery Jinsun)
June. ‘Innocence Lost’( Chelsea Art Museum )
Mar. SOAF( solo booth, coex )

Selected Collections
Singapore National Art Museum
Hoseo University
National Museum of Contemporary Art, Korea
Gyeong-gi Provincial Art Museum
Hanwon Art Museum /City hall of Yongin
The City Hall of Won-ju /
Boseung Green tea Museun / Sang-myung University Museum,
Gallery Won / Gallery Jin sun / Gyeng-hyang Gallery
Gallery Dos / Gallery Jung / Stanza Gallery
A number of corporations and individuals

 

박대조 인터뷰

박대조작가의 작업실은 작가의 작업실이라기엔 너무 럭셔리할 정도로 좋은 환경이랄까? 전시를 앞둔 긴장감이 역력한 박대조작가는 밤샘작업으로 피로가 누적되어있었다. 워낙 다작을 하기로 정평이 나 있고 쉬임없이 전시를 하는 열정 그 자체를 보는 듯하다. 어린아이의 눈을 통해 소통하고자 끊임없이 노력하는 부단함이 놀라고도 남을만하다.
눈을 보면 그 사람을 알 수 있다고 한다. 그중에서도 아이들의 눈은 순수함으로 어른들을 정화시킨다. 미소짓고 있는 듯, 묵묵히 바라보고 있는 듯 아이들의 눈동자에서 어른들의 삶이 비춰진다. 눈동자 속에서 절망과 희망을 담고 있는 박대조작가를 만나보았다.

작품에 아이들이 많이 등장하는데 아이들을 모델로 삼는 이유가 있습니까?

“딱히 아이들을 모델로 삼아야겠다고 정하고 작품에 표현한 것은 아닙니다. 제가 표현하는 대상은 어린아이들이 될 수도 있고 노인이 될 수도 있습니다. 다만 현 시점에서 제가 재현하고싶은 대상이 어린 아이였고 아이들이 보는 어른들의 세상을 동심의 눈에 투영시켜 말하고자 했을 뿐입니다. 후에 제 어떤 감성이나 말하고 싶은 주제가 변화되면 작품 속 모델이 어른이 될 수도, 스타가 될 수도, 혹은 제3국가의 사람이 될 수 있다고 생각합니다.”

아이들을 모델로 삼게 된 계기가 있으신지요?

“그동안 제가 나타내고 싶은 것들에 대한 고민이 많았어요. 그러다 네팔에서 만난 아이들의 모습에서 슬퍼 보이기도 하지만 순수하기도 한 모습, 혼돈된 모습, 무언가를 갈망하는 듯한 느낌을 받았습니다. 자연을 닮은 어린아이들의 염원이 궁금했어요. 작품 속 어린아이의 눈을 들여다보면 그들의 여러 가지 염원이 보여요. 하지만 염원을 모두 드러내진 않았습니다. 아이들의 표정으로 다양한 감정을 읽고 느낄 수 있도록 하기 위함이죠. 아이들의 눈으로 사회적 문제들을 담아내는 것은 우리가 외면하려는 문제들을 더욱 분명하게 인식하기 위한 것이라 생각합니다.”

특히 아이들의 눈동자에 포커스를 맞춘 이유는 무엇인가요?

“사람의 눈은 흔히들 ‘마음의 창’이라고 하죠. 그 중에서도 아이들의 눈은 따뜻한 마음이 느껴질 뿐만 아니라 우리들의 흐트러진 마음을 정화시켜줍니다. 저는 이러한 때 묻지 않은 순수한 아이들의 눈에 비춰진 어른들의 삶의 리얼리티를 작품을 통해 재현하고자 합니다. 인간의 정신과 영혼은 눈 속에 있다는 말이 있어요. 어린아이들의 순수한 눈으로 바라보는 어른들의 삶, 아이들이 품고 있는 소망, 염원 등을 표현하고 싶습니다.”

어린아이가 아닌 연예인 이효리를 모델로 한 작품이 있던데 이 작품에 대해 말씀해주세요

“이효리는 유명하기도 유명하고 대중에게 인기가 많은 스타지만 제가 보는 이효리는 오드리 햅번을 닮았으면 좋겠다고 생각했습니다. 작품의 이효리의 눈 속에는 오드리 햅번이 아프리카에서 어린 아기들을 보살피고 봉사하는 장면을 표현했습니다. 이는 내면과 외면이 합일된, 진정성을 가지고 있는 스타가 진정한 스타라는 것을 의미합니다.”

초창기에는 한국화에서 출발했다고 하는데 작업방식이 바뀌게 된 계기는 무엇인가요?

“‘먹’이라는 게 사람을 빠져들게 합니다. 먹에 빠져들어서 수묵과 채색으로 산수와 풍경을 그리다가 우연히 석판에다 산수와 풍경을 그려 넣는 작업을 하면서 대리석을 이용한 작품을 만들었습니다. 작품의 질을 떠나 작품 자체가 오래도록 남는다면 그것으로 가치가 있다고 생각합니다. 오랜 세월이 지나도 그대로 남아 있는 동굴벽화가 있지 않습니까. 대리석을 이용해 만들면 이처럼 오래도록 보존할 수 있다는 장점이 있습니다. 지금은 사진과 조각, 회화 등 다양한 장르를 혼합한 작업을 하며 소재도 산수화에서 인물로 바뀌게 되었습니다.”

앞으로의 계획은 어떻게 되시나요?

“저는 제 작업만이 전부라고, 최고라고 생각하지 않습니다. 예술 자체를 좋아하면서 많은 예술가를 존경하고 그들의 작품에서 기운을 얻습니다. 그래서 제 작업실에는 제 작품 뿐만 아닌 많은 예술가들의 작품을 두고 많은 것을 얻고 있습니다. 특별한 계획은 없고 매 순간 최선을 다해 작품을 만들고 싶을 뿐입니다. 저는 붓을 들고 있던 그렇지 않던 24시간의 삶 자체가 그림을 그리고 있는 것이기에 계속해서 많은 자극과 영감을 받아 좋은 작품을 만들어내는 것 자체가 제 계획입니다.”

박대조작가가 기존의 작업방식에 머무르지 않고 끊임없이 새로운 시도와 도전으로 새로움을 만들어나가는 삶을 사는 것은 ‘작가의 삶 자체가 작품활동’이라는 그의 말이 삶속에 베어 있기 때문인 듯 싶다. 박대조작가가 시도하고 도전하는 삶을 살고 있는 그 자체로 누구보다 멋진 작품활동을 하고 있다 할 수 있겠다. 앞으로 계속 될 작가의 작품이 기대된다.