SPACE SPACE 유코 시라이시(Yuko Shiraishi, Japanese, b.1956)

▲Here We Go 2012 oil on canvas 214 x 193.5 cm 이미지제공. 국제갤러리

▲Look Up 2012 oil on canvas 183 x 167.5 cm 이미지제공. 국제갤러리

▲Journey 2011 oil on canvas 167.5 x 152.5 cm 이미지제공. 국제갤러리

▲Introduction 2012 oil on canvas 137 x 122 cm 이미지제공. 국제갤러리

국제갤러리


SPACE SPACE
유코 시라이시(Yuko Shiraishi, Japanese, b.1956)
2012. 11. 20(화) _ 2012. 12. 23(일)
Tel. 02 _ 3210 _ 9885
www.kukjegallery.com

전시개요
국제갤러리는 오는 11월 20일부터 12월 23일까지 런던을 기반으로 활동 중인 유코 시라이시(Yuko Shiraishi)의 개인전 를 개최한다. 국내에서 최초로 소개되는 시라이시의 개인전은 오랜 시간에 걸쳐 작가가 지속적으로 탐구해왔던 색채와 공간의 개인적 심상에 기반한 시각적 연구와 실험적이고 건축적인 접근 태도를 보여준다. 주요 작품으로는 빛과 공간을 매개로 상상력의 실제적 구현을 보여주는 구성된 설치작업과 작가의 직관력을 시적으로 읽어볼 수 있는 일련의 회화 작품들이 있다. 이번 전시는 상이한 양극단의 세계관을 자유롭게 넘나드는 작가 시라이시만의 무한의 상상력을 통해 실재하는 현상을 보여주는 소중한 기회가 될 것이다.

작품소개
시라이시는 우주, 과학, 실존, 원형과 같은 실재하면서도 근본적인 작품 주제를 탐구해왔다. 나아가 그 접근은 인류에 기반을 두기보다 무한의 상상력을 통한 시공간의 장대한 스펙트럼에 대한 다양한 접근이다.
이번 전시의 대표작인 설치작품 는 17세기 일본 전통 다실의 특징에 따른 공간적인 변역을 통해 물리적인 벽이나 두터운 기둥 너머의 상상력을 기대한다. 이 공간의 크기는 일본의 평방 단위를 지칭하는 다다미 넉장 반 크기의 면적으로 한 사람이 머물기 위해 최소한으로 필요로 하는 크기 및 공간의 최소 단위의 물리적인 접근에서 시작되었다. “우리가 하나의 공간에서 몸을 일으키는 즉시 필요로 하는 모든 공간을 가지게 된다”는 작가의 표현과 같이 삶에서 실재하는 조건이 철학적인 사유를 통해 공간감적 상상력으로 향하는 이 작품은 마치 우주선 디자인에서 발견할 수 있는 생존을 위한 목적과 함께 시공간의 초월을 지향하는 두 가지의 상이하지만 연결성을 지니고 있는 것과 같은 맥락이라 할 수 있다.
마치 하늘의 인공위성과 연결된 듯이 연출된 원형의 빛 기둥은 이 공간의 중심으로부터 바닥을 관통하여 천정을 너머 향한다. 이는 공상 과학 소설의 거장 아서 C. 클라크(Arthur C. Clarke)의 소설『낙원의 샘(The Fountains of Paradise)』에서 영감을 받아 소설 속에 등장하는 우주 엘리베이터, 즉 지상에서 우주까지 수만 킬로미터를 연결해 주는 공간을 실제적인 사례 연구들을 통해 조형적으로 재현해냈다. 작품의 제목에서도 유추할 수 있듯, 전통 다실은 “공간”과 “우주”가 겹쳐지는 상상의 통로로써 형상화되었다. 뿐만 아니라 가로와 세로의 철학적 사유의 개념적인 접근을 통해 바닥을 공간으로 상정하여 시작되고 생성되는 다양한 실재, 마치 건물이 지어지고 지하가 조성되는 것 같은 무형의 공간에 대한 인식의 확장은 자연의 근본적인 현상과도 소통될 수 있다.
시라이시는 이번 전시에서 설치작업과 함께 일련의 추상 회화를 선보인다. 그녀는 색면회화나 단색화의 형식적 접근을 시작으로 미니멀리즘의 영향을 받은 기하학적 형상의 중첩 혹은 단색의 수평선이 사유하는 조형적 요소의 개념적인 접근들을 시적으로 표현한다. 전시장에 채워진 색면의 환영과 작가가 수집한 일상의 색채에 따른 개인적 심상의 표현은 사회적으로 약속된 동일한 색일지라도 문화, 역사, 개인의 정서 및 환경에 따라 다양한 인지와 사례가 있음을 함축한다. 역으로, 이러한 현상을 통해 우리가 개인적으로 인식하는 색면은 사회적 합의에 따른 정치적인 성격을 띠고 있지만 개인에게는 감성에 관한 기억으로 남겨지는 것과 같다.
뿐만 아니라 평면을 기반으로 작품 세계를 지속해 온 작가의 회화는 철저히 시지각적인 탐구로써의 접근을 지니고 있다. 조형의 기본 요소인 점, 선, 면이 지니고 있는 실재하지 않는 환영의 범주와 일상에서 해당 요소들이 전달하는 무언의 직관적인 소통 언어, 곧 수평이 주는 평화로움 혹은 수직이 주는 권위적인 심리적 요소는 마치 음악이 전달하는 것과 같은 작가 개인의 시적인 언어로 귀결된다. 환영의 의미를 지향하지만 이는 개인의 경험 축적을 통한 실재에 근간한 시라이시의 작품세계는 평면이 지니는 너머의 가능성과 다양한 우주적 세계관에 대한 타진을 담고 있다.

작가소개 및 작품세계
시라이시는 미니멀리즘의 영향을 받은 추상회화를 주로 작업해왔으며 1980-90년대에는 캔버스 위에 두 가지 색을 배치함으로써 이들간의 치열한 상호관계를 빛과 톤의 균형으로 보여주었다. 1990년대 후반부터는 캔버스를 벽 속에 매립하여 회화의 면과 벽의 표면이 균일하도록 설치하거나, 입체적인 색면큐브를 벽에서 돌출되도록 설치하는 등 평면회화를 넘어서는 건축적 실험을 시도해왔다. 이후 그녀의 작품은 색채와 분할된 벽, 의자 등을 이용해 관람자의 눈높이를 이동시키며 공간을 유희하는 방식으로 점차 전개되었다. 기존의 미니멀리즘 회화가 보여주는 매끈한 표면과 물성자체를 대상으로 삼는 태도와는 달리, 시라이시는 캔버스의 색면과 설치되는 공간, 또 이를 관람하는 사람들의 관계적 측면을 보다 중요시하였다. 이후 작가는 타 장르와의 협업을 통해 런던 BBC 방송국, 리젠트 운하, 독일의 인젤 홈브로이히 미술관, 일본과 런던 소재의 병원 같은 다양한 장소에서 색면회화를 공공 프로젝트로 확장하는 작업을 수행하였다. 이러한 태도는 미술과 건축의 관계만을 강조하는 것이 아니라 모더니스트 미술에 대해 문제를 제기하는 상징적인 의미를 포함하고 있다. 그녀의 작품들은 서구 현대미술에서 점차 중요한 요소로 등장하는 반(反)모더니스트적 회화 방식과 건축 공간의 물리적인 확장, 변형을 통한 심리적인 반전이라는 중요한 요소들을 복합적으로 보여주는 사례이다.

유코 시라이시(b.1956)는 도쿄에서 태어났으며 현재 영국을 기반으로 활동 중이다. 1988년 런던의 에드워드 토타 갤러리의 첫 번째 개인전 이후 전세계 유수의 갤러리 및 미술관에서 전시를 가졌다. 독일 빌헬름 학 미술관(2007), 영국 리즈 시립미술관, 아일랜드 크로포드 아트 갤러리(2003), 독일 비스바덴 미술관(2002), 영국 테이트 미술관 세인트 이브스(1999), 부다페스트 에른스트 미술관(1998) 등이 있으며, 뉴욕의 레오나르드 허튼 갤러리(2006), 런던의 아넬리 주다 파인 아트(2009), 스위스 바젤의 지젤 린더 갤러리(2010), 도쿄 시게루 요코타 갤러리(2011)에서 개인전을 가진 바 있다. 주요 소장처로는 영국예술진흥원, 영국문화원, 대영박물관을 비롯한 헝가리 루드비히 미술관, 일본 오사카 국립미술관, 스위스 막스빌-조르주 반통엘루 재단 등이 있다.

About the Exhibition
Kukje Gallery is pleased to present SpaceSpace, a solo exhibition by the London-based artist Yuko Shiraishi. In her first solo exhibitionin Korea, Shirashi highlights her ongoing interest in space and color as well as her exploration of architecture; the artist expertly combines these disparate interests in her paintings and installations.

Shiraishi works primarily as an abstract painter, exploring themes initially set forth in Minimalism. It was this formal vocabulary that formed the basis for her practice in the 1980s to 1990s, a major period wherein she juxtaposed colors on canvas to demonstrate the reciprocal relationship between the two tones by balancing light and hue. Beginning in the late 1990s, Shiraishi began to conduct various architectural experiments, exploring the intersection of color and plane. Since then her practice has evolved to include multimedia installations that activate space using both her attuned palette and subtle architectural interventions. While conventional minimalist paintings tend to focus on sleek finish and materiality, Shiraishi emphasizes the resonance between bodies of color and the relationship of the work to its surrounding space. This approach allows the artist to engage directly with the viewer

For this solo exhibition, the artist presents recent paintings as well as a major installation. The paintings contain overlapping geometric forms or horizontal monochromatic lines that cut across the canvas; by using a rectangular rather than a square canvas she clearly emphasizes these dynamic abstract forms. In a continuation of the artist’s interests, the works explore concepts of space and the power of abstract line combined with color.

The ambitious architectural installation that Shiraishi creates in the exhibition draws on her sensitive mastery of line and color. The ephemeral installation brilliantly captures the volume of an architectural form while remaining a meditation on light and space. The work, titled Space Elevator Tea House, is made from stainless steel tubes and plexiglass, creating an elegant and ghostly construction defined by profoundly spare lines reminiscent of askeleton. The building replicates an early 17th-century traditional Japanese Tea House but also evokes a space age vehicle for travel. Inspiration for the project came from ArthurC. Clarke’s novel The Fountains of Paradise in which the transportation of people and objects into space is made possible on a rigid metal ribbon. (NASA scientists are currently seriously exploring space elevators as a mass-transit system for the next century.)Shiraishi has expanded the idea to incorporate architecture, as she considers the relationship between humanity and space?and between Japanese tradition and Western science. The work, installed in a darkened room with dramatic lighting beneath the teahouse, creates a profound atmosphere of contemplation and possibility.